All-Girlz Banzai/Zona Nippon. AAVV (Arga Warga/Zona)

Fará algum sentido falar de “mangá feita em português”? Uma vez que essa é uma pergunta repetida em tantos outros fóruns e nós próprios já a mencionámos, repetiremos esquematicamente algumas dessas considerações. Fazer sentido, faz, na medida em que há todo um grupo de autores e autoras que criam bandas desenhadas que obedecem a um conjunto mais ou menos restrito, mais ou menos imitável, de códigos de representação e figuração, estruturação e composição de página, e até mesmo de géneros e linguagem, que se encontram no cadinho da mangá - sobretudo aquela mais comercial e de maior circulação - propriamente dita. É como se esses autores, em vez de responderem às suas tradições mais próximas (portuguesa, europeia, ocidental, etc.), estabelecessem um diálogo, de recepção e transformação criativa, com uma outra mole cultural, sobretudo japonesa, mas que é já porosa também a outros palcos nacionais (Coreia, China, acima de tudo). (Mais) 

Porém, por essa mesma obediência a um conjunto fechado de características formais e conceptuais, é raro que encontremos nessa produção a emergência de uma voz verdadeiramente autónoma e individual. Isto é, a ideia de “competência” surge pelo cumprimento dessas regras, e não devido a uma capacidade de expressão pessoal, de marca autoral, de desvio específico, etc. No entanto, essa também poderá ser vista como uma perspectiva errónea em relação a (esta) mangá, já que tendo em conta os princípios estéticos sino-japoneses, é mais importante a plena inscrição num tecido de continuidade do que a suposta superior “originalidade” e “diferença”, prezadas pelo Ocidente (por vezes, de forma fetichista).

Mas encontraremos nestas páginas, de dois fanzines dedicados a este campeonato artístico, algo que nos faça desviar de certas expectativas? Como não pode deixar de ser, a natureza dos próprios objectos é largamente diferente.

All-Girlz Banzai é a continuação de um fanzine exclusivamente dedicado a jovens autoras de banda desenhada nacionais, estando este número sob os auspícios da mangá. Com apenas três histórias de duas autoras, Joana Lafuente e Selma Pimentel, não haverá muita oferta. Independentemente do grau de proficuidade e de profissionalismo que ambas possam ter noutros territórios (Lafuente como colorista de The Transformers), não se pode alegar essa mesma actividade para valorizar o que se encontra nesta publicação. A história de Lafuente, episódio de uma saga maior, segue infelizmente aquela abordagem despojada das vinhetas, com apenas a(s) personagem(ns) delineadas nos seus contornos e objectos mínimos, e alguns outros elementos para criar a ideia de espaço (uma torneira para “casa de banho”, uma fechadura no vazio para “porta”, etc.), acabando por estar mais próximo de uma colecção de imagens em clip art do que de uma banda desenhada propriamente dita. O mesmo não se diria de um John Porcellino, uma vez que a emergência do minimalismo (o termo não é muito correcto, mas circula) na banda desenhada obedece a questões que não têm somente que ver com o desenho. A separação absoluta do seu contexto diegético - quem são as personagens?, quais são as suas preocupações?, que missão seguiremos? - impede ainda um maior grau de entrega emocional - e por isso interesse - da parte dos leitores.

As duas histórias de Selma Pimentel mostram desde logo uma grande capacidade na construção de ritmo, ambiente e personagens diferenciadas (mesmo no interior da economia de representação algo limitada desta família da banda desenhada), e, apesar de se poderem ler ambas as histórias - “Green is Dead” e “Samira” - como teasers, a construção do que se promete está toda presente. Esperemos é que existam rápidas plataformas para que esta matéria continue a ser exposta e possa medrar, ou incorrer-se-á naquele cliché de termos dezenas de revistas com “promessas”, “teasers” e “apresentações de projectos”, mas jamais algo continuado, consolidado e deveras desenvolvido. Se “Green is Dead” é suficientemente linear e claro - uma variação de Power Rangers/Monster High/Winx numa Coimbra infestada por dragões - para prometer aventuras tipificadas mas com algum humor circunstancial, “Samira” arrasta-se porém com toda uma série de elementos retirados de uma miríade de fontes mas sem nunca construir um centro preciso. Uma trama que nunca se enfatiza, personagens que não cessam de ser construídas, e até mesmo alguns pormenores textuais estranhos.  Há uma vontade em lançar aqui uma concatenação complexa de pistas, que adensariam e tornariam o mistério de Samira vago mas para que fosse perseguido, mas nunca se forma uma linha decisiva, fazendo imaginar que a confusão não estará apenas ao nível do texto.

Já o projecto “Nippon” da plataforma Zona procura, nalguns casos, uma mimese bem diferente. Quer dizer, a imitação pura e dura dos códigos da mangá poderão ser absurdos no sentido em que jamais haverá espaço no Japão para a edição destes autores, a menos que haja uma deslocação e procura por caminhos particulares (não é inédito autores estrangeiros terem trabalho, com maior ou menos sucesso, no Japão, mas não é tão comum como a circulação no mundo ocidental). Logo, o que se verifica aqui é um aproveitamento de temas, de ambientes, de clichés até, mas para criar textos próprios. O mesmo sucede com muitos projectos europeus, seja a nível do “estilo gráfico/narrativo”, como no caso de Sky Doll, como nalguns aspectos temáticos e literários, como o recente livro de Hughes Micol, Le Chien dans la vallée de Chambara, de que falaremos em breve.

Ainda assim, continuamos no território da breve  anedota ou do teaser, o que não abona a favor da capacidade dos autores em conseguirem reger uma história curta. André Oliveira apresenta um argumento curioso que se passará no Japão feudal, mas cujos actores - desenhados de uma forma abonecada à la Philip Bond por Pedro Carvalho - falam como “tugas”, fazendo imaginar um curioso cruzamento de referências. Também Carlos Páscoa aproveita mais a matéria imaginativa e expressiva deste tipo de banda desenhada para criar uma ficção, curta, em torno da ideia da esperança e da felicidade, e de como para ela podem contribuir as leituras da banda desenhada da infância e adolescência.

Paula Almeida é uma jovem artista, cuja história apresenta um estilo bem contemporâneo, de uma mangá mais descontraída, manual, e intimista. Estas meras quatro páginas podem ser lidas quase como um simples poema sobre as relações humanas, e apesar da “história” não se consolidar enquanto tal, obedece a um ritmo interno muito próprio, que é conseguido.

Gabriel Martins e Fil mostram um samurai a decepar o seu senhor, numa espécie de conto moral, demonstrando mais uma vez como o fascínio por certas figuras, totalmente descontextualizadas e fora dos seus tecidos históricos, é maior para a criação de mitos do que de uma compreensão transcultural. Quer dizer, mais uma vez temos aqui aquelas ideias feitas em torno das “honras” e “códigos de guerreiro”, que supostamente seriam superiores, moralmente, a um rol de interesses, como se esses mesmos guerreiros não fossem parte desses mesmos problemas (a obra citada de Micol por exemplo desmonta esses mitos). Mas estamos na ficção de género, afinal… Bruno Bispo e Victor Freundt seguem as mesmas pisadas, mas uma vez que fogem para um universo de referências fantásticas e até mágicas, acabam por criar uma peça mais consolidada e que não deixa de poder ser vista como símbolo geral de todo um imaginário (ainda que, mais uma vez, socialmente mesclado, agregando a filosofia metafísica do Tao a monstros). Também Filipe Duarte se inscreveria neste conjunto - talvez seja essa a razão pela edição seguida destas histórias -, mas encontra-se nele um outro grau adicional de afastamento pela fantasia, e pela forma como aproveita um ambiente geral retirado aquele fundo cultural para criar “a sua própria coisa”.

Quanto às histórias de Bruno Ma, Ana Nunes com Rui Alex, seguem aqueles elementos expectáveis a que temos feito referência: meninos guerreiros, poderes extraordinários, grupos de personagens “diferentes” (dentro da medida do possível que se imagina, num universo diegético em que não temos acesso a saber como são as outras personagens), missões e destinos, e coisas quejandas. Há sempre uma sensação que temos toda uma série de autores fãs de séries como Naruto, Bleach e Fairy Tail, que desejam perseguir as mesmas ideias, conceitos e situação, mas sem compreender a necessidade de passos básicos como a de construção das personagens, exposição da premissa e até o mais básico dos establishing shots. Apesar de se poderem apreciar as lentas construções vagas e ambíguas à la Tsutomu Nihei, a gestão dessa lentidão é feita pelo autor japonês de uma forma dominada, equilibrada, e é difícil imitar-lhe os passos.

A pièce de résistance deste pequeno livro - aliás, tankobon - é a história (ou melhor, episódio de algo que se imagina bem maior) de André Lima Araújo , “Nómada”. Esta consegue respeitar todos aqueles elementos indicados antes - establishing shot, ambiente, personagens, etc. -, criando uma premissa que, não revelando tudo (para que se crie suspense e interesse) abre suficientes pistas para que se percebam que perguntas se devem formular na cabeça dos leitores (para que se crie esse suspense e interesse). Ainda que siga alguns lugares-comuns - cenário pós-apocalíptico, a existência de vários grupos rivais e violentos, emergência de sub-culturas Mother Sarah/Mad Max/Grendel, etc., uma missão sob a forma de uma “ilha” que se tem de descobrir, e um protagonista aparentado a Deadpool, mas mais próximo do strong, silent type do que do “merc with a mouth” -, a forma como esses lugares-comuns são apresentados seguem regras sólidas e perfeitamente encaixadas em plataformas internacionais. Apesar da edição da Zona ser a preto-e-branco, há uma indicação explícita de que este é um trabalho a cores, e aliado ao próprio desenho perfeitamente acabado, de muitos pormenores de objectos e espaços, variedade na composição e focalização (talvez até em excesso nas cenas de diálogo), texturas, e no interior daquele realismo dos comic books norte-americanos (mas que tanto lembra Otomo como uma fase de Ricardo Cabral), não será difícil imaginar a possibilidade de edição deste material em antologias desse mesmo mundo editorial.
Nota: agradecimentos a Daniel Maia, pela oferta do Banzai, e a André Oliveira, pelo transporte do Zona Nippon. Imagens retiradas dos blogs dos projectos respectivos.