Mould Map 3. AAVV (Landfill Editions)

Qual a genealogia de um projecto desta natureza? Quando a banda desenhada é discutida nos nossos dias como um género de literatura – um erro de palmatória em termos de categorização, mas mais grave ainda em termos de construção de territórios próprios -, a característica que mais se salienta é aquela que a aproximará precisamente à da literatura, a saber, a da sua literariedade. Mas a atenção para com a “coisa literária” – fabricação das personagens, psicologização da intriga, estruturação crono-espacial, a capacidade dos eventos revestirem-se de valores metafóricos ou metonímicos, as impressões emocionais, etc. – leva muitas vezes a que se diminua a possibilidade da exploração a nível artístico: formal, plástico, cromático, material, espacial-direccional, específico ao sítio, mediático, processual… (Mais) [atenção: imagem pornográfica adiante]

No entanto, existe uma tradição dessa exploração na banda desenhada. Thierry Smolderen tem insistido, e com razão, para que se tenha uma atenção particular para com a primeira fase da banda desenhada moderna, a partir do segundo quartel do século XIX, informada pela heterogenia gráfica explorada pelos cultores dessa área. Mas após a consolidação histórica desta “linguagem” numa mão-cheia de géneros determinados e até mesmo um espaço predeterminado de expressão – por um lado, as narrativas infanto-juvenis, por outro, uma caricatura social domesticada -, ou melhor, necessariamente pela confirmação desse “espaço próprio”, é que poderiam surgir diferenças de processo, que pudessem ser vistas como alternativas, experimentais ou artísticas. É nessa linha que surgem alguns underground comix, sobretudo de cariz psicadélico, é assim que Yoshiharu Tsuge se distingue mesmo dos seus colegas gekigá com o seu estilo “screwball”, e é em destaque sobre uma relativa ideia de narratividade que o trabalho de Martin Vaughn-James, dos Bazooka, de alguns dos artistas agregados na Raw de Spiegelman e Mouly, se sublinham. Essa é a outra tradição da banda desenhada que daria origem a muitos dos autores que se têm vindo a publicar em títulos (“especializados” ou não) tais como Blab!, Kramer’s Ergot, The Drama, Ganzfeld, Lagon Revue, pela plataforma Le Dernier Cri, pela editora Fréon, ou pelo descritivo “art comics”.

Mould Map é um projecto editorial que se constitui precisamente como um gesto nesse sentido. Cada um dos objectos é uma colecção única, que procura os seus próprios instrumentos gráficos, formais, materiais. Menos do que uma antologia de certos autores – que podemos ou não conhecer e seguir, o que é o caso -, Mould Map parece ser uma oportunidade de colocar estes trabalhos em relações novas, de forma a multiplicar o processo de expressão permitido pelo encontro colectivo.

Vamos encontrar alguns favoritos, como C.F., Aidan Koch, Lala Albert, Simon Hanselmann, Yuchi Yokoyama, James Jarvis, Blaise Larmee, Johnny Negron, Sammy Harkham, Olivier Schrauwen, mas também somos aqui apresentados a outros autores que não conhecíamos e que nos fascinam de imediato, desde as intensas fantasias pornográficas de Dmitry Sergeev [aqui ao lado], ao mangá alucinado de Julien Ceccaldi, ao ambiente pós-Akira de Joseph P. Kelly [imagem depois da capa da publicação, acima], enquanto que alguns outros autores contribuem com história curtas que recordam aquela tendência que discutimos a propósito de Prophet e a obra de Simon Roy: Lando, Karn Piana, Sammy Harkham, Viktor Hachmang e GHXYK2. 

Mould Map contém ainda intervenções textuais, ensaios fotográficos e composições gráficas abertas a interpretações disciplinares complexas. Há o que parece ser um ensaio sobre arquitectura no Rio de Janeiro e outro sobre a arte na era do pós-digital, mas não da forma como poderiam suspeitar. Mesmo as imagens isoladas, sejam ilustração, composições digitais, fotografias ou tudo pelo meio, reflectem de uma forma ou outra esse posicionamento do humano no mundo maior, entendido como "Natureza", "Espaço" ou "Mediasfera". 

Existem – ou será esta uma imposição nossa? - alguns temas que se coalescem numa direcção coerente: a relação entre os humanos e a arquitectura, a tecnologia (fala-se aqui de teleportação, splicing genético, câmaras de criogenização, níveis ocultos da internet), os rituais de transformação do corpo numa qualquer imagem ideal, seja esta informada pela pornografia, publicidade, desporto, ou mesmo ideais religiosos (sendo o satanismo um desses ideais), e “gender confusion”, com a sua bateria de problemas psicológicos. Há também histórias e materiais que se revestem de características comuns: um certo fascínio pelo conflito físico, o niilismo, a destruição, mas também a forma como todas essas acções conduzem a uma compreensão, nem que seja (ironicamente) momentânea, sobre a fugacidade da existência humana, o que tem por consequência a apreciação de um pormenor mundano: um vaso partido, uma relação acabada, o espaço fantasmático que é criado por uma ausência.

Esta coerência poderá ser uma ilusão, mas também poderá ser fruto da precisa direcção de arte de Hugh Frost e Leon Sadler, já que, como reza no site da publicação, “[o] novo trabalho é produzido para cada novo livro em resposta a um texto e uma colecção de imagens que actuam como direcção de arte”.

E essas respostas são extremamente curiosas. Limitando-nos às peças mais "narrativas", O. Schrauwen, por exemplo, cria uma hilariante parábola da necessidade de comunicação dos seres humanos e as rápidas frustações que se atingem se não se cumprem os objectivos mesmo das fantasias. Stefan Sadler e Jon Chandler mostram-nos uma personagem patética que se isola da pior forma por um simples ataque de ciúmes e despeito, mostrando que pouco importa o avanço da tecnologia face à intrínseca mesquinhez humana. Simon Hanselmann, abandonando o território fantasiasta de Megg, Mogg & Owl, coloca-nas nas mãos, possivelmente, um episódio autobiográfico, a um só tempo libertador e melancólico.

Materialmente, a publicação é um imenso luxo (a palavra é empregue pelos editores), com mais de duzentas páginas coladas directamente na espinha, permitindo variedade de formatos, gramagem e consistência de papel, existindo mesmo cadernos de folhas prateadas. Em termos cromáticos, estamos em crer que para além da quadricromia usual do offset, há uma intervenção de uma quinta cor, o que ajudaria a explicar os tons metálicos prístinos, e o brilho das cores assombroso [fomos informados que são tintas fluorescentes], dando a Mould Map uma qualidade próxima do glamour de revistas de moda high end (comparação que não é de todo estranha, se considerarmos igualmente as “interrupções” das partes mais narrativas/figurativas com composições que nos poderiam fazer pensar em anúncios de cosmética daqui a 20 anos). Os valores de produção são, portanto, altos, o que justifica os seus elevados preço e procura, levando a que se esgotem rapidamente.

O título é intrigante, e estamos em crer que aquele “mould” tem menos a ver com um molde, uma qualquer estrutura de fabrico que conduz à produção massiva de objectos idênticos, mas antes ao bolor, cujo crescimento por filamentos pode obedecer aos mais variados factores externos, levando à impossibilidade de prever um padrão fechado, mas a alastramentos e contaminações inesperadas. A conjunção de todos estes factores leva, no interior do livro, a um objecto inusual e magnífico. Em termos conceptuais, possivelmente, a consequências mais livres.

Nota final: agradecimentos a Hugo Almeida, pelo empréstimo do seu exemplar. Indicamos ainda, a título informativo, que os editores, britânicos, estarão em Portugal na Feira Pangeia, dias 10 e 11 de Outubro, com o 4º número.