15 de outubro de 2007

Divide et Impera. Cinco autores da vanguarda da banda desenhada contemporânea.


Divide et Impera é o título de uma exposição integrada na 18ª edição do Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora. A convite do Festival, fui convidado para pensar uma exposição que se revelasse de algum interesse. Tendo em conta que o tema do FIBDA deste ano era a "maioridade", fico surpreendido quer pela natureza do cartaz quer pelo tom geral das exposições deste ano, que apenas a título de excepção parecem corresponder a esse tema (o livro Salazar, de JP Cotrim e M Rocha, toca esse ponto; a exposição das bandas desenhadas porno-eróticas de Manara, Serpieri e afins, não).


Sendo, julgo, bastante clara através da leitura deste blog a ideia que tenho de que um dos caminhos mais acertados e sólidos para a "maioridade" da banda desenhada é a sua discussão balizada, inteligente e alerta para todas as consequências a que o pensamento leva, e não somente a atitudes encomiásticas e epidérmicas, mascaradas de nostalgia ou de outros aromas, não surpreenderá que o ponto de convergência entre estes autores não seja o costumeiro (país, tema, novidade editorial, etc.) mas um conceito teórico. Dado o espaço que me é reservado no catálogo, o texto elaborado não é suficientemente grande, mas julgo conter todas as pistas para o desvendamento do seu sentido, assim como uma breve apresentação dos artistas envolvidos. É esse texto que deixo aqui à vossa consideração, e aberto às vossas questões.


Gostaria de deixar aqui o meu agradecimento público às seguintes pessoas: ao Nelson Dona, pelo convite e "carta branca", que muito apreciei; ao meu amigo António Gomes, do atelier de design Barbara Says..., que apresentou não só um excelente desenho de exposição como uma perfeita sintonia com os meus desejos pouco pragmáticos e nefelibatas; à Ana Taipas e Raquel Melo e equipa, por tornarem essas ideias e desejos num espaço real; à Lígia Macedo, por saber agarrar as mil e uma ponta desfiadas que eu ia atirando; à Sara Figueiredo Costa, pelas concordâncias; a toda a equipa do FIDBA, pelos poderes de prestidigitação; à Corinne Saulneron, por ajudar ao comércio destes autores (passem na sua banca, onde encontrarão o material de alguns destes artistas); aos cúmplices do costume e que sempre ajudaram em tudo, mesmo que não o saibam; e, claro, ao Fábio, Warren, Ilan, Aerim e Frédéric, por terem aceite o convite, entusiastas, e providenciarem trabalhos que nos permitem ler mais que o costume.


Sob o signo da Desagregação.


É algo banal notarmos a aceleração do mundo, e em tudo o que ele contém. Não será tão displicente notar como essa aceleração leva a alterações substanciais no modo como narramos ou procuramos narrar as coisas do mundo.
Num dos seus mais iluminados ensaios, “O Narrador” (Der Erzähler, de 1936, de que também existe uma tradução de Miguel Tamen como “O Contador de Histórias”), Walter Benjamin estabelece uma oposição entre a narrativa oral e o romance. A primeira associar-se-á a uma partilha presencial entre o narrador e o seu ouvinte (é “do âmbito do discurso vivo”, isto é, à experiência de ambos), ao acto de contar histórias, à moral da história que por sua vez se relacionará com a tradição em que se insere o contado. O segundo implica antes uma confusão de duas experiências individuais e isoladas, a do escritor e a do leitor, “com-fusão” dada no espaço do objecto-livro (ou o que o substitua), exige antes um “sentido da vida”, já que o romance, o texto literário, acabado, fará emergir um todo, um fim que se explica e explica. Benjamin fala de uma desagregação, uma separação da “unidade original da reminiscência”, cindindo-se, por um lado, numa “memória imortalizadora do romancista”, a recordação, e, por outro, “a memória breve do narrador”, a memória propriamente dita, breve porque associada a uma acção una, a outra dispersando-se sobre “muitos acontecimentos dispersos”. Benjamin recorre a Lukács, citando-o no seguinte: “Só no romance surge uma reminiscência criadora que atinge o objecto e o transforma”.
“Cada vez menos encontramos pessoas com a capacidade de contar uma história como deve ser”. Esta é a frase mais famosa deste ensaio. Benjamin alude à tradição oral referida, considerando-a paulatinamente substituída por uma nova forma de narrar, um pouco como quando se referira à aura no círculo das artes visuais notara a deslocação de um valor cultual das antigas obras de arte para a de um valor de exposição das modernas. Também aí ecoa esta passagem de uma partilha comum mesmo que momentânea de experiências para uma bem mais estreita entrega do indivíduo à obra em questão. Se ocorrem contemporaneamente problemas de representação, de silêncios, de desfigurações das memórias e das tradições, tal não se deverá somente ou redutoramente a uma diminuição da experiência transmissível ou da comunicabilidade da experiência, como Benjamin aponta no mesmo ensaio, mas ao facto de tornar-se agora cada vez mais possível essa fusão entre o criador e o fruidor da sua obra no momento da fruição, ou por outras palavras, uma verdadeira comunicação no acto do fazer dizer.
A banda desenhada não abdica, ou raramente o faz, do seu programa narrativo, do seu hábito de contar estórias. Para mais, estórias passíveis de ser partilhadas, num “imaginário comum”, numa “tradição”, até mesmo numa “normatividade”. Mas ela não tem necessariamente nem de o fazer sempre nem de o fazer sempre da mesma maneira. A aceleração da diversidade de experiências, da fragmentação da reminiscência em variados objectos-de-leitura-e-interpretação-individual, e dos modos de narrar aumentam também o grau de desagregação acessível aos autores de banda desenhada contemporânea, que a empregarão de maneiras diferentes.
Entrada. Os autores que se reúnem nesta exposição aproximam-se não por aspectos superficiais de estilo ou de temas, muito menos por critérios políticos como a nacionalidade ou outros. O que os une é um princípio abstracto, conceptual, teórico: o da desagregação. Cada um a seu modo, os cinco autores que aqui se apresentam optam pela criação de textos de banda desenhada na qual está presente a aplicação da desagregação sobre um ou mais dos elementos correntes da banda desenhada, tão correntes que quase passam por “essenciais”, “necessários”, “normais”. A sua total ausência ou transformação profunda, do dado elemento, destas obras em particular, demonstra como a banda desenhada, enquanto modo de expressão, objecto cultural e/ou texto a decifrar resiste na sua existência a essa experiência.
A desagregação é um movimento de separação perante algo que se agregara antes. Não se trata de um movimento antes ou aquém de, mas depois de um facto, para além de uma realidade. A banda desenhada existe numa inércia que caracterizámos sucintamente acima, e estes autores, cada um a seu modo, de novo, retiram um desses elementos “naturais”, passando a ser a ausência, a falta desse mesmo elemento, a força que emerge nas suas obras e, assim, de uma maneira outra de fazer banda desenhada.
Apresentações.



Ilan Manouach (Atenas, Grécia, 1980)
Ilan Manouach é músico e artista e banda desenhista. É tentador encontrar em todas as suas actividades, na sua própria multidisciplinaridade, e nas especificidades de cada trabalho, factores que permitam repensar cada uma dessas actividades enquanto interdisciplinares. Mantenhamo-nos apenas num território: o da banda desenhada. E afunilemos a sua produção a três obras, seleccionadas para esta exposição, em detrimento das suas primeiras aproximações mais narrativas, outras mais oubapianas, outras mais próximas da colagem e citação directa. La Mort du Cycliste e Frag (dois livros pela Cinquième Couche, o segundo ainda no prelo), juntamente com a pequena história The Ten Stages of Spiritual Cow-Herding publicada na Éprouvette no. 3, pela L’Association (baseada num conhecidíssimo koan, zen e/ou taoista, usualmente acompanhado por imagens, mas alterada de acordo com sólidos princípios criativo-teóricos: “le dépassement de la critique”, nas palavras do autor). Nestas três obras, ainda que de modos figuralmente diferentes, temos sempre a presença da morte. É árdua a leitura que nos espera nestas três obras, justamente porque resiste a, ou impede, uma leitura linear e de desvendamento de um sentido, único. Queremos atribuir a presença da morte ou da personagem-morte nessas obras como a da confirmação do determinismo causal regular das bandas desenhadas, encerrando os seus elementos presente numa “história com princípio, meio e fim”, “com pés e cabeça”, para descobrir que na verdade, não obstante a apresentação física do livro e de uma sequência determinada por sub-elementos regularizados (espaços recorrentes, existência de protagonistas, progressão de uma metamorfose interna ao livro, sobretudo em Frag), estamos perante imagens que se abrem a toda uma multiplicidade de cruzamentos e cujas releituras sucessivas nos ajudarão a chegar a esta conclusão: aqui, nestas fiadas de imagens, há produção de sentido (“significados”) em todos os sentidos (“direcção”). A desagregação, em Ilan Manouach, não é mais do que uma ilusão, operada sobre as nossas expectativas de normalidade – para a qual a esmagadora produção da banda desenhada nos “treinou”, nos “habituou”; porém, abre-se-nos como espaço de reintegração da experiência individual, “con-fundida”, entre autor e leitor. [o autor estará presente no Festival; dia 20 de Outubro, às 15h30, estará no painel de conferências 'Caminhos da BD contemporânea I'].

Warren Craghead III (Virgínia, EUA, 1970)
O artista norte-americano elabora criações gráficas e plásticas sob as mais diversas formas e plataformas. Não há diferença no seu acto criativo, senão em termos disciplinares que nós, espectadores mais ou menos críticos, posteriormente lançamos sobre ele, entre as “bandas desenhadas” e outras produções. No interior do que se pode entender como o “nosso” território, também Craghead prima pela diversidade – de estilos, aproximações, modos. A selecção presente incide, contudo, sobretudo numa aproximação muito particular que o artista tem, não apenas “experimentado” (como se a ela não pudesse jamais retornar), mas consolidado ao longo dos anos: Jefferson Forest, Thickets, uma pequena história na antologia SPX, e sobretudo How to be Everywhere, livro-catálogo de trabalhos baseados na poesia e caligramas de Apollinaire, os quais podem tanto ser desfrutados singularmente, como em sequência, como ainda enquanto um todo coeso. O que provoca uma sensação de comunidade entre estes trabalhos é a constante fragmentação da figura e da frase, quebrados nos seus elementos ou componentes: no caso das palavras, facilmente identificáveis enquanto o seu material gráfico, as letras; no caso das imagens, conforme as escolhas, “excertos”, “troços”, “bocados” da coisa representada – sempre identificável, não obstante a sua quebra (que não é da ordem da fragmentação já natural da vinheta da banda desenhada, mas uma opção operada sobre o objecto abandonado na página quase livre). É como se a fragmentação já prevista na banda desenhada, mas raramente explorada enquanto potencialidade artística (referencie-se a fulminante primeira prancha de Zil Zelub, de Buzzelli), desabasse “para dentro” dos seus elementos constitutivos, permitindo a Craghead uma exploração “para fora”, aliada à singularidade do seu leitor, capaz de fruir essa desagregação através do seu trabalho contrário, de re-construção de um ou mais sentidos. [o autor estará presente no Festival; dia 27, às 17h, estará no painel de conferências 'Caminhos da BD contemporânea II'].

Fábio Zimbres (São Paulo, Brasil, 1960)
Frase-chavão necessária: “Num mundo perfeito, Zimbres dispensaria apresentações”. Zimbres é um novo veterano, cultor de um trabalho extremamente diversificado, que se espalha por praticamente todas as grandes revistas de “quadrinhos” do Brasil, desde a Chiclete com Banana, o fanzine Mau no interior da revista Animal, à mais recente e excelente Front, e muitas, muitas outras publicações, e passando ainda pela ilustração, sendo o livro de Blaise Cendrars, Las Aventuras de mis Siete Tios, editado pela magnífica Media Vaca, o mais famoso entre nós. Além disso, tem outros trabalhos na área criativa.
Dentro de uma onda que avassalou o mundo com a aproximação de uma linha nervosa devedora, se não em termos de elementos estilísticos, pelo menos da verve e da liberdade assanhada do punk (de que Gary Panter, Pakito Bolino e mais recentemente a trupe de Paper Rad e Fort Thunder, muito beberam), Zimbres oscila entre histórias legíveis – isto é, com todos os elementos diegéticos mais expectáveis da banda desenhada – e outros objectos onde as fronteiras da narrativa se podem diluir numa outra leitura mais poética – como no caso de pequena história a cores que fez para a antologia norte-america Rosetta ou o trabalho de colaboração que desenvolveu com a banda rock Mechanics para o álbum/livro Música para Antropomorfos. A uma primeira abordagem superficial, entenderemos que as suas figuras parecem inscrever-se numa linha que sai da imensa tradição das criaturas dóceis, de traços suaves, do Triunvirato Disney-Harvey-Maurício (de grande presença no Brasil nos anos 70 e 80), mas para, com a aceleração da estranheza e dispersão temática – tente fechar-se a obra de Zimbres em “temas recorrentes” e falhar-se-á, a menos que se entendam as forças abstractas que a unem -, torná-las como que exaustas dessa docilidade e mergulhá-las no cansaço físico do gesto artístico. E é nesse momento que se desfibra a patina da razão, ensonada, para se abrir caminho aos monstros da desagregação. [o autor estará presente no Festival; dia 27, às 17h, estará no painel de conferências 'Caminhos da BD contemporânea II'].

Lee, Ae-rim (Seul, Coreia do Sul, 1973)
Esta artista é conhecida no seu país pelo seu nome artístico de “Rainbow”. Sendo a cena sul-coreana uma das que mais tem conhecido não só um crescimento exponencial interno mas também uma exportação considerável (graças a editoras francesas, americanas e brasileiras), é necessário reter que qualquer crescimento dos produtos mais comerciáveis representam sempre um ecrã de impedimento de visibilidade a outros objectos mais estranhos, mais idiossincráticos e, as mais das vezes, mais artisticamente coesos. A esmagadora maioria dos seus trabalhos é constituída por páginas singulares, que revêem os conceitos de cartoon, ilustração e banda desenhada: fazendo convergir um sentido de design reminiscente do psicadelismo, uma grande atenção para as culturas urbanas do mundo, onde há espaço para uma dúvida ou uma indiferenciação em relação aos papéis sexuais (repare-se novamente no nom de plume), sociais e políticos das personagens – o que não é de somenos numa sociedade tão hierarquizada e de lenta dissolução das barreiras como é a sul-coreana – e uma claríssima revisitação dos imaginários infantis para uma plataforma mais adulta, negra e de moralidades dúbias, olhar as suas imagens sem ordem aparente leva-nos a querer construir múltiplas instâncias narrativas, associando as personagens que se parecem repetir (e que efectivamente se repetem, já que Lee, Ae-rim não desenha sobre papel, mas constrói as suas pranchas no computador, muitas vezes reutilizando materiais previamente empregues, destruindo também ela o culto da “arte original”) de modos diferentes, em funções díspares, colocando-as em situações contraditórias. É aí que reside a desagregação de Lee, no papel expectável de funcionalidade das suas personagens, que se tornam verdadeiras personas.
A maior parte dos seus trabalhos surgem em antologias alternativas locais, revistas de cultura urbana, mas os seus trabalhos estiveram já também em Angoulême, quando a Coreia foi o país convidado. Ainda não se reuniu em volume a sua obra. Ainda. [A artista não estará presente no Festival]

Frédéric Coché (Paris, França, 1975)
Os livros de Coché não são propriamente de banda desenhada. Os seus trabalhos são sempre fruto de variadas técnicas de gravura, sobretudo águas-fortes. Tendo três livros publicados (Hortus Sanitatis, pela Fréon, Vie et mort du héros triomphante, pela Frémok, e Ars Simia Naturae, pela Oeil du Serpent), e muitos outros trabalhos curtos publicados pelas mais variadíssimas publicações europeias, Coché parece concentrar-se num modo muito particular de construir as suas narrativas, que passa precisamente por um trabalho de desagregação (isto é, de redução a elementos mínimos discretos que depois recombina a seu bel-prazer) daquela realidade a que damos o nome de “memória colectiva”. A revisitação da História e da História de Arte serve como fonte de engramas, isto é, de formas discretas e únicas reconhecíveis por um largo espectro do público (sob a forma de “obras de arte eternas” ou de “funções actanciais universais”), mas que Coché coloca num espaço relativamente fechado – as suas obras. Ou melhor, colocando-as num espaço onde os signos identificáveis são finitos, as pranchas e os seus elementos figurais, as ligações que eles prometem e permitem com a memória colectiva fazem com que se abram para um campo infinito de interpretações e significados, conforme as potencialidades associativas dos seus leitores/espectadores, tornando estas imagens (mas jamais descurando as suas relações narrativas internas a cada obra) verdadeiramente palcos da recordação objectual e valor de exposição asseveradas por Benjamin, conforme explicado acima. [o autor estará presente no Festival; dia 3 de Novembro, às 18h, estará no painel de conferências 'Caminhos da BD contemporânea III'].




10 comentários:

Isabelinho disse...

Da Amadora não se pode esperar grande coisa em termos de maturidade. Isto não é uma crítica, é apenas a constatação de um facto: o factor comercial está demasiado presente e, nesse campo, o que os últimos anos trouxeram foi apenas a substituição de um público leitor infantil por um público leitor adolescente e jovem. Um público leitor de banda desenhada adulto e sofisticado é ainda uma miragem. Ou é aparentemente uma miragem e há, de facto, leitores nas livrarias normais para romances gráficos de qualidade. Como não estou na posse destes dados sociológicos nada posso afirmar com certeza. O que sim, sei, é que, mesmo mudando radicalmente o panorama, a Amadora é o último sítio onde eu espero ver um festival de banda desenhada a acompanhar o novo ar dos tempos.

Yoga disse...

BD Amadora :)

Fantástico! Um belo evento da Cidade Amadorense.

A Universidade de Yôga da Amadora, reconda a todos os alunos a visita a esta bela exposição.

SwáSthya!

mmmnnnrrrg disse...

excelente comentário do swastika-man!
não gostei da exposição, apesar da boa selecção dos autores... os originais tinham o tamanho de um caracol anão e tudo ficou meio perdido no espaço.
o letering da Barbara Says sim senhora!
kill new-age mindless whores! kill, kill!

Anónimo disse...

Uma desilusão esta edição da exposição de BD da Amadora. Pelo material exposto: uma pobreza! (com excepão dos italianos e mesmo assim com impressões digitais misturadas com originais),e sobretudo pela localização e pela sinalética (será possível um visitante vindo do Porto de Évora ou de Mafra que não tenha tranporte próprio chegar áquele local do qual desconheço o nome?)
Longe vão os tempos em que no magnífico espaço da Fábrica da Cultura fácilmente acessível quer por comboio ou autocarro assisti a edições cheias de público e recheadas de belos originais de grandes autores estrangeiros que era uma delícia obeservar cuidadosamnte :-(

Anónimo disse...

Sim, meu caro e homónimo anónimo, o grande destaque para os italianos e possivelmente para o inefável Manara (a quem certamente não faltar hordas de anormais a pedir autógrafos de "gajas boas"). Nada de novo neste comentário, próprio de alguém a quem a BD serve única e exclusivamente para mostrar mulheres nuas. Ou isso, ou a BD dos bons velhos tempos, como diz. Antes é que era....

Anónimo disse...

é preciso comprar algum livro ou alguma coisa assim para ter um desenho de um autor????

Flashfinger disse...

Não sendo este o espaço nem minha (longa) vontade de discutir os propósitos da Amadora, cujas críticas que tenho sempre foram reveladas directa e honestamente a quem de direito, respondo apenas ao último comentário dizendo que os autores que convidei são muito diferentes entre si, e que os presentes neste fim-de-semana desenharão com grato prazer a quem pedir seja o que for. Mas será simpático comprar um livro aos mesmos. O Manara não precisa da vossa solidariedade, para além das descobertas sexuais próprias da adolescência, mas ao comprarem livros aos artistas desta "minha" exposição, é prato na mesa.
Obrigado mais uma vez a todos os comentários.
Pedro

Rui Carrilho disse...

Ja fiz a minha primeira incursão, provavelmente seguira uma segunda, já não ia à Amadora desde os tempos da "Fabrica" e apesar disso não desgostei, compreendo as limitações de espaço.

Dei particular atenção à exposição Banda Desenhada Contemporânea, fiquei um "Fã" de Craghead e levei para casa um livro de Coché.

No entanto acho que representação dos autores comtemporaneos soube a pouco.

Particularmente penso que a unica exposição que desgostei foi a dos Italianos, acho que é um "motivo" que cada vez mais só faz sentido para uma geração que não a minha e já não sou propriamente novo.

Mário Augusto disse...

Olá Pedro Moura,


Sobre Fábio Zimbres, existe um número da fanzine (portuguesa) a mosca, o nº4, com Fábio Zimbres num papel destacado, conhece?

Teve alguma repercussão no Brasil, segundo me disseram foi a primeira vez que foram reunidos numa mesma publicação uma geração de autores do fandom brasileiro de estados bastante distanciados entre si. A unica ligação anterior entre eles tinha sido a secção de criticas e contactos de fanzines no Mau da Animal, secção dirigida por Zimbres. Mas uma publicação inteiramente dedicada a eles (e a Zimbres) isso aconteceu na mosca 4.

Tinha ainda a dedada gráfica e as ideias de Zimbres sobre o fandom brasileiro e sobre aqueles autores.

Por cá houve algum eco entre os fanzineiros, e digamos, entre os fans d´a mosca.


Um editor, um criador e um fanzineiro bastante interessante, o Fábio Zimbres, uma boa escolha para o Festival.



Saudações

Mário Augusto

Flashfinger disse...

Olá, Mário Augusto.
Sim, conheço a "Mosca" no. 4, no qual ele fez o papel de editor. E entendo perfeitamente o papel que ele teve no Brasil junto a uma camada mais independente da criação de "quadrinhos". Em todo o caso, se bem que essa faceta tenha um peso incomensurável, a sua escolha teve mesmo a ver com a natureza do seu trabalho artístico, e um emprego de um juízo de valor que o colocava nesse papel. O Fábio Zimbres passou por Portugal, onde passou uma semana, o que deu para nos conhecermos pessoalmente e muito bem: quem sabe se se lançando raízes para frutos a brotar mais tarde?
Obrigado,
Pedro